Ya estamos aquí. en un nuevo programa de Los Vinilos de Barbarella. Estamos en el esperado programa navideño que hacemos cada año. Hoy tenemos aquí a Carlos Buendía participando del programa, también hablando y al mando de la nave con todos los aparatos y todos los cables. En frente tengo a Isidro Soria. Eduardo, a su lado que nos desea Feliz Navidad. Y un servidor, Antonio Buendía. Después de 365 días, se ha desvelado el secreto de la Navidad con Bob Dylan cantando Villancicos. Un disco del 2009, que justamente esta semana ha salido en vinilo. O sea, que tenemos aquí el recién salido del horno. Había salido un CD en su momento. Es el número 34 en la carrera de Bob Dylan. El disco en cuestión se llama "Christmas in the Heart", o sea, algo así como "Navidades en el corazón”. Bob Dylan ha sido y es una de las figuras más importantes del folk contemporáneo y, de hecho, de los artistas más influyentes, tanto para el folk como para incluso del rock. Las letras y lo reivindicativo que era todo fue algo que marcó a una generación. Una de sus canciones más rockeros y recordadas "Like a rolling stone", fue considerada o está considerada como el mejor tema en todos los tiempos. Un músico a los que las generaciones. posteriores han usado como referente. Sin duda alguna, junto a The Beatles y Rolling Stones, Bob Dylan es una de las figuras más influyentes que ha habido en la historia de la música. Con una discografía tan extensa, tiene muchísimos altibajos. De hecho, la mitad de discografía de Dylan, o más de la mitad, es complicada. Este disco que vamos a escucharm está grabado en las épocas más bajas de Dylan. La recaudación de este disco iba destinado a dos causas benéficas como erradicar el hambre en Estados Unidos y luego un programa de la ONU de alimentos. A destacar la participación en el disco del músico David Hidalgo, de la banda de origen mexicano, Los Lobos, en el que ha tocado el acordeón, guitarra, mandolina y violín. Otra figura destacada es el bajista Tony Garnier, que hizo durante mucho tiempo de director musical del músico americano. Como bien sabéis, el hecho de ser judió no le impidió grabar esta serie de villancicos y canciones tradicionales de la cristiandad, algunas de ellas con arreglos efectuados por él mismo, tocando también la guitarra, teclados, cantando (con más bien poco acierto) y por supuesto, su conocidísima armónica. En Estados Unidos el disco llegó a alcanzar el número 23 en el Billboard 200 y el número 1 como disco navideño.

Han pasado dos años desde que el equipo de Los Vinilos de Barbarella inició su andadura en Ràdio Sant Feliu. Más de un año antes, el director de la emisora, había contactado con nosotros, que ya veníamos de una largo camino en el podcasting. Nos ofreció formar parte de la parrilla de Ràdio Sant Feliu para poder hacer llegar nuestra pasión por los vinilos musicales a los oyentes de esta emisora del Baix Llobregat. Por desgracia, la pandemia truncó esa primera entrada, pero una vez dejada atrás, volvimos a las conversaciones y se pudo poner fecha para el primer programa. Hemos tenido muchos invitados, amigos que se han pasado por el programa, para hablar de sus proyectos y de los  vinilos que más le gustaban.  Porque eso sí, no hemos dejado de hablar de música y vinilos. Hemos querido ser un bálsamo para los tiempos que nos han tocado vivir, intentado evitar cualquier distracción más allá de escuchar de lo que nosotros entendemos por buena música, con mejor o peor acierto. De esta corta pero provechosa estancia, nos llevamos buenas cosas: La experiencia de trabajar en radio, algo que desconocíamos. Esto nos ha servido para ser más metódicos, más rigurosos, marcarnos pautas y metas. Esto que parecen pequeños detalles, no lo son en absoluto y esperamos poder aplicarlos en el mundo del podcasting a partir de ahora. Conocer a gente del entorno radiofónico: a todo el equipo técnico y de comunicación.  A Jymy Jiménez, del programa BlackCorb Day, compañero con el que compartimos música y cervezas. Y a todos los que hemos podido ver por allí y con los que hemos podido coincidir. No quisiéramos olvidarnos de ninguno, perdón si al final lo hacemos. Como decíamos en la grabación de este último programa, con dos canciones icónicas como pueden ser 'The Next Goodbye' de The Rolling Stones y 'Hello Goodbye' de The Beatles, no es una despedida, es un hasta siempre, volvemos al sito de donde procedemos, al podcasting. Creemos que será un nuevo camino con nuevas formas de hacer las cosas, con más experiencia y algunos años más, y con unos conocimientos que sin este paso por Ràdio Sant Feliu no hubiese sido posible adquirir, excepto los de Carlos Buendía, que estuvo haciendo sus prácticas de sonido en esta casa. Y lo hemos hecho con un álbum que también fue una despedida.  Eso sí, una despedida inesperada, una despedida sin decir adiós, como lo hemos hecho nosotros. El gran guitarrista norteamericano Jimi Hendrix y su banda, The Jimi Hendrix Experience, grababa este último disco, 'Electric Ladyland', con muchas ideas para futuros trabajos que no se materializaron, porque desgraciadamente, pasaría a formar parte de ese terrible Club de los 27, donde también están otros grandes como Brian Jones, de los Stones, Janis Joplin, Kurt Kobain de Nirvana, Amy Winehouse o Jim Morrison de The Doors, entre otros. Este disco de casi despedida ha sido el que escogimos entre los colaboradores habituales del programa (Eduardo Antón, José María Arellano, Antonio Benete, Carlos Buendía, Juan Manuel Escrihuela, Albert García Carbó y Patricia Torres o la reciente incorporación de Isidro Soria), personas sin las que estos Vinilos de Barbarella, sería imposible llevar a cabo, y personas que se han comprometido para seguir adelante con lo que venga a continuación. Escoger este disco y poder hablar sobre él, ha sido una forma especial de despedida de Ràdio Sant Feliu.  Un adiós que es menos adiós si es Hendrix quien nos acompaña. A todos, gracias por todo. ¡Salud y Vinilos!

A pesar de tener solo diecinueve años cuando grabó este trabajo, Mike Oldfield ya había sido músico profesional desde los quince años, cuando tocó con su hermana Sally Oldfield en el dúo Sallyangie. Con sólo 13 años, ya había actuado en algún que otro club de folk del área de Reading. En 1969, el dúo firmó con el sello Trasanlantic, grabando un único álbum ‘Children Of The Sun’, siendo sus representantes la agencia NEMS, que fue creada en su día por Brian Epstein, el que fuese mánager de The Beatles. Trasanlantic decidió no seguir con ellos, y el dúo como tal, desapareció. Sally Oldfield continuó en solitario (con algunas idas y venidas posteriores con Mike), y éste formó con Terry, otro de los hermanos, la banda de rock Barefoot. A través de dicha agencia NEMS, pasaron a trabajar para Blackhill Enterprises, dirigida por los primeros managers de Pink Floyd, Peter Jenner y Andrew King. En la agencia, además contaban con Syd Barret o el ex-bajista de Soft Machine, Kevin Ayers, con el que posteriormente Mike Oldfield tendría una dilatada carrera. Ayers ya había empezado su carrera en solitario con el álbum ‘Joy Of a Toy’. Como necesitaba una banda , Blackhill le puso en contacto con Mike Oldfield. En 1970 pasó a formar parte de dicha banda, Kevin Ayers and The Whole World como bajista. En 1970 ya compartirían cartel con Pink Floyd.

El pasado 30 de noviembre nos dejó Christine Anne Perfect, conocida como Christine McVie (1943-2020), a la edad de 79 años. Christine fue teclista, cantante y compositora de muchos de los éxitos de una de las bandas más legendarias y laureadas de la historia: Fleetwood Mac. Y el disco que traemos hoy, es nada más ni nada menos que Rumors, el undécimo disco de Fleetwood Mac, publicado en 1977, y uno de los discos más vendidos de la historia, exactamente está en el nº 7 del ranking, con más de 40 millones de copias vendidas en todo el mundo. Antes de hablar del primer tema del programa, un poco de cotilleo, ya que al hablar de Christine McVie y John McVie, hay quien se preguntará que relación habían entre ellos. Christie Ann Perfect se casó con John McVie en 1968, adoptó su apellido, y se divorciaron en 1976, aunque siguieron juntos en la banda. El primer tema que escucharemos en el programa, es el que abre el álbum: Second Hand News, “noticias de segunda mano”. Está compuesta por Lindsey Buckingham (guitarra y voz en esta formación), y según cuenta, la escribió después de escuchar el Jive Talkin de los Bee Gees. Trata de un amante despreciado, aunque las guitarras suenen un poco alegres y sugieran más un sentimiento de despedida. Cuenta también que como Mike Fleetwood, el batería, no daba con el ritmo, Buckingham lo tocó en una silla de oficina, para conseguir el efecto que quería. La línea de bajo la reescribió John McVie, usando solamente notas negras y haciéndola más sencilla de cómo la había pensado Buckingham

Dark Side of the Moon es el octavo disco de Pink Floyd, un hito en la historia de la música, y sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de la historia de todos los tiempos. Es un álbum conceptual. Cada cara del álbum está formada por cinco temas unidos que representan varios estados de la vida humana: el estrés, el envejecimiento, el miedo a la muerte, la avaricia, la empatía, y también la locura, esto último inspirado por el deterioro mental de Syd Barrett, quien había sido el fundador de la banda, amigo, líder, compositor y letrista desde 1964 hasta 1968. Pero esa es otra historia. La contamos en nuestro podcast número 78, dedicado a su noveno disco, 'Wish You Were Here' (volverá a estar disponible en esta web en breve). Como en ese programa dimos un repaso a la biografía del grupo, en éste, nos vamos a centrar solamente en 'The Dark Side of the Moon', y os remito a escuchar quien no lo haya hecho ese podcast, que nos quedó muy chulo e interesante. El disco empieza y termina con los latidos del corazón. 'Speak To Me' es un tema firmado por Mason, y 'Breath (In The Air)', firmado por Waters, Gilmour y Wright donde se refieren a las cosas cotidianas y fútiles de la vida, pero con la amenaza de la locura y la importancia de vivir cada uno su propia vida Curiosamente, nunca llegó al número 1 en las listas inglesas, y solamente estuvo 1 semana en el número 1 en los Estados Unidos. En cambio, acumuló 19 años en la lista Billboard y vendió más de 50 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los discos más vendido de la historia.  Con motivo del 50 aniversario, además de la inevitable caja especial con el disco, CD y contenidos extras, que seguro son interesantes, resulta que en uno de esos delirios de grandeza a los que nos ha acostumbrado Roger Waters, ha regrabado de nuevo el disco, porque considera que fue una idea suya, que es suyo, y todo ese rollo. Pero antes de intentar desmontar la historia, hablaremos del siguiente tema 'On The Run',  que evoca el estrés y la ansiedad que provoca el transporte moderno, en donde trasladan en particular el miedo de Wright a volar, llevando la trama de la canción a un aeropuerto.

Los Brincos se formaron en Madrid en 1964, su representante Luís Sartorius, consiguió que fueran fichados por la discográfica española Zafiro. Convenció a la compañía de que en España podía lanzarse con éxito un grupo al estilo de las bandas británicas del beat, pero con personalidad propia e interpretando sus propias composiciones. Sartorius murió en accidente de tráfico poco antes del lanzamiento de este disco, habiendo sentado las bases de un proyecto que se plasmó en el estudio de la mano de Marini Callejo, que había sido cantante y pianista de Los Brujos, grupo donde él fue el fundador. A Los Brincos se les llegó a conocer como Los Beatles españoles En la promoción anterior al disco, RTVE elaboró un reportaje llamado “Así se forma un conjunto”, donde se mostraba cómo se aplicaban los métodos que habían hecho grandes a The Beatles en la creación de Los Brincos. Se les conoció como Los Beatles españoles. Si bien en este primer trabajo el principal referente es el merseybeat. El mayor problema en la elaboración del disco surge en la mayoría de los temas cantados en inglés, ya que sin dominar todavía el idioma se les nota las carencias para componer de forma que suenen más propios. Su imagen en los primeros tiempos, aunque inspirada en los grupos beat británicos, incluía elementos más o menos castizos como podían ser las capas españolas o los cascabeles en sus zapatos.

Hoy vamos a dedicar el programa al 40 Aniversario de uno de los grandes discos del rock,  este caso, se trata del vinilo 'Synchronicity', quinto y último trabajo de la banda de rock inglesa The Police. La elección ha sido complicada dentro de su discografía. Es bien cierto que podíamos haber escogido alguno de sus dos primeros discos, que son también muy conocidos, pero hemos optado por este porque creemos que es el trabajo más maduro de la banda, que recoge un nuevo sonido y parecía abrir nuevas puertas y un gran futuro a The Police. Lamentablemente, no fue así. La banda se separó prácticamente al año de la salida de este disco, justo al terminar la gira de presentación del mismo. Fue una lástima porque nos The Police creer que tenían todavía mucho camino por delante y que el sonido y la creatividad estaban cogiendo gran fuerza, y que estaban preparados para ofrecer mucho más. El término 'Sincronicidad' fue creado por el psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo Carl Gustav Jung. Dicho término se refiere a la "simultaneidad de dos sucesos vinculados por el sentido pero de manera casual." Es un término complejo para los que somos neófitos en la materia. Explicándolo en palabras más sencillas, la sincronicidad se da cuando ocurre una coincidencia sorprendente que se da de forma casi mágica.  Estos dos temas del disco (Synchronicity I y Synchronicity II) hablan en sí de estas teorías y de otras relacionadas con ellas. Sting desde luego es mucho más que un músico al uso, es una persona interesada en muchos otros aspectos ajenos a ésta. En estos dos temas tenemos a Sting a la voz, sintetizador y caja de ritmos. Andy Summers a la guitarra y teclados y Stewart Copeland a la batería.  'Synchrocity II' suena mucho más rockera que su primera parte, donde se hace más uso de los sintetizadores. La guitarra de Summers suena genial, con unos riffs impactantes. Fue lanzada como single del álbum alcanzando el puesto 17 en las listas del Reino Unido y el 16 en USA.

Hoy os vamos a traer un proyecto recién salido del horno, que es el ‘This Is Why’ de Paramore, que se trata del sexto álbum de la banda americana. Paramore ha pasado por varias épocas dentro de su discografía tal y como ya comentamos en un programa anterior, pero en esta ocasión nos vamos a centrar más en su evolución analizando de forma más o menos breve cada álbum de estudio, intentando ser lo más imparcial posible ya que es una banda que me encanta, pero como todas, no es perfecta. El primer disco de la banda fue el ‘All We Know Is falling’ del año 2005. Personalmente considero que sin ser un mal disco, y aunque en una época que me enganchó bastante, no es su mejor proyecto. En muchas de las canciones se nota ese sentimiento adolescente de «nadie me entiende y todo el mundo está en mi contra», y es algo que claramente, no ha envejecido bien. A nivel de general no está mal dentro de lo que fue el Pop Punk y el Emo Pop de la época, pero teniendo en cuenta que en el año 2005 ya habían salido discos como el ‘Three Cheers for Sweet Revenge’ de MCR que eran mucho mejores en todos los sentidos Su segundo disco fue el “Riot!” del año 2007, que fue el disco que les catapultó a la fama sobretodo gracias a su single ‘Misery Business’. Es un proyecto que, a pesar de que también varias de sus canciones, fueron escritas en una época muy temprana de su carrera, mejora en todo respecto al anterior. La producción se notaba más cuidada, del mismo modo la mezcla que era bastante mejor que su anterior proyecto, y el cambio hacía una dirección más cercana a lo que hicieron Blink-182 con su proyecto homónimo les sentó realmente bien. Sin entrar mucho más en detalles, tiene algunas de las mejores canciones de toda su discografía, pero también tiene otras que dejan que desear un poco por motivos parecidos al primer disco. El tercer disco de la banda fue el “Brand New Eyes” lanado el año 2009. Durante mucho tiempo fue mi disco favorito de la banda y la verdad es que no es para menos, porque aquí fue cuando el grupo empezó a despuntar a nivel creativo. El grupo tomo una dirección hacia el Rock Alternativo parecido al de bandas como Placebo o Anberlin, pero manteniendo parte del estilo más Emo, tanto a nivel lírico como en gran parte de la composición melódica de los temas, algo que les había caracterizado hasta la fecha, siendo así uno de los proyectos más interesantes de aquella década de dicho género. Entrando ya a principios de la década pasada, más concretamente en el año 2013 Paramore lanzó el que fue su cuarto album de título homónimo, ‘Paramore’ la banda ya se aleja totalmente de toda aquella escena Emo de la que les hizo brillar tanto en su primera época. Esta vez nos trajeron un disco doble de Pop Rock y Power Pop a medio camino entre lo que serían bandas como Weezer, pero con un toque algo ochentero. Era un disco con letras mucho más positivas y empoderadas en líneas generales y con una producción muchísimo más cuidada, además de tener temas realmente memorables. Sin duda la banda evolucionaba a pasos agigantados y los cambios de estilo les sentaba realmente bien.

Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita'. Los músicos que grabaron este disco son: Manuel Martinez voz, Miguel Galán guitarra, Manuel Salvador Molina bajo, Jose Antonio Molina batería y a los teclados Pablo Rabadán. Medina Azahara está reconocida como una de las agrupaciones más emblematicas del Rock Andaluz, se formaron en 1979 en Córdoba. El nombre de la banda viene de la ciudad califal cercana a la ciudad. Fueron lanzados al gran público por Rafael Martín Parraga, en la feria de septiembre de Córdoba. Poco después de su formación tuvieron la oportunidad de entrar en los estudios de CBS para grabar su primer el album, que contenía 'Paseando por la mezquita', que se convirtió en un himno del grupo. Este primer trabajo recoge las influencias de la banda, mezclando el Hard Rock de nombres como Deep Purple o Rainbow con caracteristicas propias del Rock Sinfónico. También del mencionado Rock Andaluz que practicaban grupos como Triana, el cual ha sido una de las mayores influencias en su estilo. Aunque el título original del disco es 'Medina Azahara', se le conoce popularmente como 'Paseando por la mezquita' Siguen grabando nuevos álbumes de estudio, 'Dónde está la luz' , 'Arabe' y 'Tánger' entre otros. Aparece su segundo disco en directo, 'A toda esa gente' donde se muestran como un grupo potente sobre los escenarios . Con la entrada del nuevo siglo, siguen grabando algunos discos, rindiendo homenaje con sus versiones a Triana, Miguel Ríos, Los Módulos o Los Salvajes. También se atrevieron con una versión en castellano del tema de Scorpions, 'Wind of Change'. En la actualidad siguen activos a día de hoy, sacando algún que otro disco de estudio, pero su fuerte sigue siendo los conciertos en directo. El guitarrista Paco Ventura, que entró en la banda en 1989, les ha dado mucha garra en los escenarios.

Hace unos días, nos vino a visitar al estudio Rubén Rois, un buen amigo, que aprovechó para presentarnos su libro 'La Desbanalización de los Videojuegos', de la Editorial Autografía. Rubén tiene su propio Podcast,  “Co-oP 2 Players”  así como co-productor del programa “El Raccoon del Joc”, tanto en Youtube como en Ivoox. Asimismo, ha participado en política y en activismo social, habiendo sido voluntario de organizaciones como Cruz Roja y Banc d’Aliments. Actualmente, colabora con la protectora de animales 7Vides en Òdena (Igualada). En el libro "La Desbanalización de los videojuegos" Rubén argumenta que los videojuegos han sido banalizados en la cultura popular, y que esto ha llevado a una falta de comprensión de los videojuegos como una forma de arte y entretenimiento legítima. Asimismo, aborda la idea de que los videojuegos son a menudo considerados como una forma de entretenimiento infantil o inmaduro, y que esta percepción ha llevado a una falta de respeto hacia el medio en la cultura popular. El libro también explora la idea de que los videojuegos pueden ser una forma de contar historias y transmitir mensajes importantes. Los videojuegos pueden ser una herramienta poderosa para abordar temas sociales y políticos, y que su capacidad para involucrar al jugador puede hacer que estos temas sean más accesibles y significativos. En definitiva, "La banalización de los Videojuegos" es un libro interesante y provocativo que desafía la idea de que los videojuegos son una forma de entretenimiento inferior. Para amenizar dicha entrevista, hemos pinchado la banda sonora original del videojuego 'The Last Of June', del músico inglés Steven Wilson.