Precursores del Protopunk el término no describe a un género musical sino a un grupo de bandas. Tampoco fue un movimiento musical propiamente dicho. Los Saicos fueron clasificados de esta manera y fueron inclasificables en su momento y esto no cambió hasta bastante tiempo después del surgimiento del punk, momento en que esta clasificación se empieza a usar retrospectivamente para unir bajo una sola palabra a todas estas bandas. Hasta este momento no había nada que uniera a las bandas lo suficiente. Los Saicos grupo surgido en el Perú de los sesentas que la mitología del rock ubica como uno de los precursores del punk, a partir de su música estridente, chirriante y poco complaciente. Los Saicos se fundó en 1964, en el distrito de Lince, en Lima. Estuvo conformada por César Castrillón, Rolando Carpio, Erwin Flores y ‘Pancho‘ Guevara, quienes por aquellos años apostaron por tocar una música con un estilo salvaje y rebelde. Tenían apenas 19 años cuando comenzaron a tocar y desde sus inicios llamaron la atención del público por sus canciones. Los miembros de Los Saicos han sido considerados en varias oportunidades los pioneros del punk en Perú y el mundo.Los gritos y el sonido crudo marcaron el rumbo del grupo. “Era algo totalmente lúdico, las canciones nos salían así porque simplemente nos queríamos expresar. Es más, cuando nos salían unos acordes romanticones, nos jodía. De sus sencillos, grabados entre 1965 y 1966, los más conocidos son «Demolición», «Fugitivo de Alcatraz», «Cementerio», «El entierro de los gatos», «Ana» e «Intensamente», los cuales se han convertido en himnos del rock peruano y, con el tiempo, han propiciado el reconocimiento de la banda internacionalmente. En esa época la gran mayoría de los grupos trataban de imitar el estilo de grupos británicos como The Beatles y cantar en inglés. Sin embargo Los Saicos no siguieron esa línea, tampoco hicieron covers de otras bandas y decidieron cantar en español composiciones propias y así definieron un estilo único. Solo tienen dos canciones en inglés que fueron hechas en sus inicios por ellos mismos: «Come on» y «Lonely star».

Aunque la colaboración entre el mítico grupo de rap Run DMC y la banda de rock Aerosmith no fue el primer crossover entre hip hop y rock, sí que fue la que más acabó cambiando en la historia de la música. A mediados de los ochenta, Run-DMC solía improvisar en los directos con el inicio de ‘Walk This Way‘ (la canción original de Aerosmith, de 1975) loopeada. A decir verdad, los integrantes del grupo no sabían muy bien ubicar a Aerosmith y puede que ni siquiera hubieran oído la canción entera, más allá de los primeros segundos sobre los que rapeaban improvisando frente al público. Fue de Rick Rubin (como tantas otras veces) la genial idea de ponerse en contacto con Aerosmith y grabar una colaboración que acabaría siendo histórica y sonando en todo el mundo. Tengan en cuenta que el rap en aquella época era algo mucho menos asentado a nivel global, aunque también un género considerado más novedoso, callejero, subversivo y refrescante. Lo curioso de la versión de ‘Walk This Way’ entre Run DMC y Aerosmith es que no solo escaló en las listas de ventas generales, sino también en las de rock y rap, es decir: gustó a gente aficionada a dos géneros musicales completamente diferentes y hasta entonces apartados. Por si fuese poco, la canción volvió a poner en el mapa a Aerosmith, que llevaba algunos años apartada del mainstream debido a los problemas de Steven Tyler con las sustancias ilegales. El genial videoclip (rodado en Nueva Jersey) también ayudó al éxito de la canción. Aunque hoy nos parece que está todo inventado, lo cierto es que la idea del histórico productor Rick Rubin (un tipo que ha ganado premios Grammy en tres géneros diferentes) no solo abrió las puertas a las colaboraciones entre rap y rock, sino que mostró los inicios de un género llamado rap metal que tendría bastante éxito veinte años después. Rubin, como siempre, no esperaba a que la historia sucediese, sino que la inventaba a tiempo real.

“Blinding Lights” la colaboración de Rosalía junto The Weeknd. Analizamos la versión que ambos artistas hicieron del gran éxito del 2019 que sigue entre lo más escuchado en Spotify. La polémica es que no a todos los seguidores quedaron conformes con el resultado. Blinding lights fue lanzada originalmente el 2019 y ha arrasado en todo el mundo: ha permanecido en las lista de los temas más escuchados en el streaming. Rosalía suma una segunda colaboración en cosa de días, ya que la semana pasada se estrenó su colaboración con Bad Bunny en La noche de anoche. El tema comienza con la voz de Rosalía, bastante más aguda que de costumbre, en español. Precisamente han sido las partes en castellano interpretadas por la catalana. La inserción de muletillas como "bebé" al final de algunas frases no acaban de encajar bien en el estilo de la canción que, en su versión original, es un grito desesperado de ayuda. La voz de la española con la de The Weeknd se fusionan en el estribillo donde sí parecen acoplarse bastante bien. Pese a arrasar en otros premios como los MTV Video Music Awards y los American Music Awards, no obtuvo ninguna nominación a los Grammy, algo que molestó al cantante: “Los Grammy siguen corruptos. Me deben a mí, a mis fans y a la industria la transparencia”. Una Canción bastante ochentena con bits y ritmos basados en sintetizadores que recuerdan a los A-Ha. Todos un a onda bailable que no te deja indiferente a pesar de que la letra del tema es un poco triste y dramática.

"Ruiner" es la sexta pista de The Downward Spiral, algún lanzado en el año 1994 por Nine Inch Nails "NIN". Un álbum conceptual que detalla la autodestrucción de un hombre desde el comienzo de su "espiral descendente" misantrópica hasta su punto de ruptura suicida. The Downward Spiral ha sido considerado por los críticos musicales y el público como uno de los álbumes más importantes de la década de 1990, y fue elogiado por su naturaleza abrasiva y ecléctica y sus temas oscuros, aunque fue sensacionalizado por los conservadores sociales por algunas de sus letras. El mismo Trent Reznor declaró que "Ruiner" había sido "la canción más difícil de escribir" para el este disco."Tengo una vibra tan mala de esa canción ahora, de que apesta de tantas maneras diferentes. Y declaró que en realidad "eran dos canciones diferentes pegadas". "Ruiner" se caracterizan por poseer sonidos industriales, capas y más capas de efectos de sonido muy procesados ​​que son increíblemente difíciles de identificar y tienen la distorsión y el ruido suficientes como para hacerte pensar que estás a punto de hacer mierda tus parlantes. Las «guitarras» se dejar entrever tímidamente, pero la influencia de la música rock es significativamente menos pronunciada cuando se compara con temas como «Heresy» o la enorme «March of the Pigs», las cuales tienen una estructura más fácil de seguir.

"Olor a Gas", canción incluida en su cuarto disco de estudio llamado “Fome” lanzado el año 1997. Un disco absolutamente redondo. Es homogéneo. Y es un álbum emocionalmente muy potente. Empieza y termina con instrumentales creados en la mente de “Titae”, que comparten un sonido y un ambiente (en blanco y negro, no?). ‘Claus’ es música de película, casi estilo James Bond, que parece dar inicio a un mundo lleno de suspenso e historias maravillosas; ‘Largo’, en cambio, es como el final de fiesta, también fácil de relacionar a algún film, que parece representar la satisfacción de todos los protagonistas de haber cumplido la tarea y no haber dejado cabos sueltos. Repito, jamás fue pensado como un álbum conceptual, pero detalles como estos lo ponen varios peldaños por sobre sus contemporáneos. “Fome” tiene como característica un sonido explosivo, agresivo, oscuro, rockero y variado. Se experimentan varias sensaciones cuando se escucha el álbum. La música habla por sí sola, siempre con la impecable interpretación de Álvaro Henríquez, Roberto “Titae” Lindl, Ángel Parra y Pancho Molina. ‘Olor a gas’ pese a lo trágico de la historia, su guitarreado comienzo es de lo más luminoso que hay en la placa. Y qué buena que es! Sublime melodía, con la delicadísima lap steel de Ángel, que llora mientras la banda llora por una historia que nadie más hubiese podido contar si no eran Los Tres.

Down By The Water es el potente y sorprendente primer single del disco ‘To Bring You My Love‘ lanzado en 1995 por PJ Harvey. Una canción en cuya melodía se intuye cierta inspiración folclórica, amordazada por un teclado que chisporrotea negrura y que erizan el vello, mientras Polly susurra con ansiedad lo que interpretamos como una murder ballad. Inolvidable, también, ese vídeo con aspecto de mujer fatal. PJ Harvey ya le había mostrado al mundo su colección de fobias y perversiones en sus dos primeros álbumes, Dry y Rid of Me, por lo que, para su tercer disco, quería dejar de exponerse para escribir desde la más pura ficción. El resultado fue To Bring You My Love (1995), y el single "Down by the Water" en particular. El cambio también era sonoro: a la fórmula cruda de sus inicios, ahora la niña mala de Birdport tenía para agregar órganos procesados y ensambles orquestales. Así fue como Polly Jean decidió abandonar la autorreferencia, pero no el tono sombrío de sus composiciones, y es por eso que la letra de "Down by the Water" no es ni más ni menos que el relato de cómo una mujer ahoga a su hija en las aguas de un río y luego se arrepiente ("Ayúdame, Jesús, a volver desde la tormenta. Tuve que perderla, hacerle daño. La escuché gritar, la escuché gemir"). Como era de esperarse, al ser su primer relato ficcionalizado, varios interpretaron erróneamente el tema y no tardó en correrse el rumor de que Harvey efectivamente había cometido filicidio. Una canción en la que se incluyen violines, violas, celos, teclados y percusiones que te atemorizan y que te dejarán sin aliento. El primer single de este disco y también el que lanzó a PJ a la fama en todo el mundo.

En 1991 bajo la compañía Warner Bros Records sale al mundo el primer disco, homónimo, de Mr. Bungle. Tras este nombre se hallaba el cantante de Faith No More, Mike Patton, junto a unos amigos de la pequeña localidad californiana de Eureka que venían tocando desde el año 1985. De la producción del disco se encargó el saxofonista John Zorn, músico extravagante donde los haya. No es fácil definir la música incluida en este primer LP, que es una coctelera de estilos y donde predomina el caos. De un Vals pasamos -dentro de la misma canción- al más violento Thrash Metal, ruidos de grabaciones caseras, Free Jazz, música circense ... y silencios. Hoy hablamos de una de sus canciones, la segunda del disco y que casi 7 minutos te da vuelta la cabeza. Esta canción llamada "Slowly Growing Deaf" nos cuenta a historia de esta payaso y como comienza su decadencia. Es difícil escucharlo entero sin sufrir daños en el sistema nervioso, por lo que está contraindicado para personas a las que el médico haya recomendado sosiego, así como a los poco abiertos de mente en general. Se catalogó como Funk-Metal, etiqueta que les viene demasiado pequeña. En algún momento nos pueden recordar a los alocados Red Hot Chili Peppers de la primera época, a Fishbone, a Infectious Grooves o a Primus. El nombre de Mr. Bungle está inspirado en en el muñeco que aparecía en el programa The Pee Wee Herman Show.

Analizamos y conversamos sobre la canción mas feliz de la historia.  Don’t stop me now de Queen es un gran tema que viene en el álbum Jazz  lanzado en el año 1978. En esta oportunidad apreciamos y compartimos  nuestras opiniones sobre este gran tema. Disfruta, escucha y comparte. Don’t stop me now de Queen fue designada en 2018 como la canción más feliz de la historia. ¿Qué hizo que se llevara el título? La música nos acompaña a lo largo de nuestra vida. Tanto en los  momentos felices como en los más melancólicos siempre hay alguna canción  que evoca nuestros recuerdos. A pesar de que cada uno tenemos unas  preferencias musicales, existe un patrón respecto a la melodía que nos  provoca felicidad. Así lo determinó Jacob Jolij, un neurocientífico cognitivo de la  Universidad de Groningen (Holanda), que se propuso investigar cuáles  eran las canciones más felices del mundo. Para ello, ideó una fórmula  para calibrar la felicidad que produce una canción. Para su estudio contó con dos mil personas y examinó los beats por  minuto de las canciones, el ritmo, el análisis de las letras y la  temática de las mismas. De esta forma, determinó que Don’t stop me now  de Queen, con un promedio entre 140 y 150 beats por minuto, era la  canción más feliz de la historia. Esta canción realizada como sencillo del disco Jazz, y es la canción  número doce de ese álbum. El tema se basa en el piano tocado por  Freddie, mientras entraban a hacer acompañamiento Roger y John con la  batería y el bajo respectivamente, en la versión de estudio, Brian solo  interviene con la guitarra durante el solo, mientras que en la versión  en vivo que apareció durante el Jazz Tour y el Crazy Tour, tocaba  acordes para darle un sonido más inclinado hacia el rock. Si bien la canción alcanzó el noveno puesto en las listas británicas,  superando a Bicycle Race/Fat Bottomed Girls, que solo alcanzó el puesto  número ochenta y seis en Estados Unidos. La canción fue utilizada para un comercial de VH1 y para un anuncio  de Telefónica. También fue utilizada en la película Shaun of the Dead. En el 2005 fue elegida por los espectadores del programa de  televisión de la BBC Top Gear como «La mejor canción para conducir de la  historia».

Miguel y Andrés, las cabezas de este podcast llamado "Los Tallarines de Pantera". Nos presentamos y te contamos de como iremos abordando la música y la apreciación musical mediante invitados, análisis de canciones, artistas, obras célebres de la música, etc... Amigos melómanos en torno a una conversación sobre lo mas lindo que nos ha regalado la vida.. "La Música"...! sean todos bienvenidos.