Estamos al aire. Estamos al viento. Estamos en un espacio sin miedo. En este capítulo nos enlazamos hasta Quito con Ninari Chimba, un alma que no solo tiene teorías y filosofía sino que también lleva a la práctica, a la acción. Ella no solo sueña en otro idioma, sino que nos ayudará a soñar en un mundo donde todas soñemos en otros idiomas. La conversación con Ninari rota alrededor de una película mexicana de 2018, "Sueño en otro idioma", y a través de ella aprendemos a entender la fragilidad del lenguaje, la sencillez del pensamiento, y la relación lenguaje-conocimiento-entorno que las lenguas colonizadoras nos prohibieron ver en nuestro continente. Con Ninari hablamos de los candados mentales y problemas de educación (tanto de los pueblos indígenas como de los pueblos urbanos) que emanan del uso del lenguaje, del uso de un lenguaje hegemónico que se ha mecanizado para que no nos entendamos mas allá del yo antropocéntrico. Hablar una lengua, necesariamente implica una manera de entender el mundo. No es solo una herramienta de comunicación sino una cosmovisión compartida entre personas del mismo idioma para entenderse en planos espirituales y físicos dentro de este mundo.

Java y Nemer regresan a la soledad del desierto western donde todo esto comenzó. A casi un año de este legendario podcast que se ha ganado las mejores calificaciones en las plataformas de entretenimiento sonoro que existen, como "el mejor podcast donde personas invitadas beben 2021" o "el mejor podcast mientras haces de comer 2021"... a casi un año de grabar semana con semana esta confesión de su eterna ignorancia y total desdén por cualquier saber, Java y Nemer ponen "Cielo Amarillo" de 1948 (el mejor y último año del verdadero western-western) dirigida por un niño que se hizo llamar William Wellman, para comentar sobre el valor del western, las sincronías que existen con Shakespeare, las varias formas de que deconstruye y reconstruye el género, y pues varios otros datos curiosos que les interesaría a las tías que tenemos en Tapachula. Saludos hasta allá.

El máximo ejemplo del cine de propaganda y el máximo ejemplo del documental deportivo parecen no tener nada en común, pero... ambas fueron concebidas por un mismo cerebelo: Leni Rifenstahl, directora oficial del partido Nazi y de los Juegos Olímpicos de 1936 en Berlín. Seguimos platicando con Guen, amigo podcastero, cinéfilo y analista deportivo sobre este parteaguas del cine deportivo, documental y mundial. Lo que Leni hizo con Hitler en "El Triunfo de la Voluntad" en 1935 lo volvió a hacer (¿inconscientemente') en Olympia pero con Jesse Owens. Cotorreamos sobre el culto al cuerpo de Leni, el pasado artístico de Leni, la humanidad del señor Hitler y todas las hazañas técnicas que elevan este filme a un plano olímpico. ¡Dale Pumas!

Los deportes son los eventos visuales, colectivos y catárticos más antiguos y más presentes en nuestra historia. Los romanos, los griegos, los aztecas, los mongoles... todas las culturas tuvieron, tienen y tendrán ese espíritu de elevarse a través de la competencia. La forma en que se filman estos eventos nos provoca emociones y catapulta nuestra imaginación. Por ello, resulta impresionante saber que no sabemos de cine y tampoco de historia visual. Con Guen, un apasionado de los deportes y del cine, vemos Olympia (1938) de nuestra amiga Leni Riefensthahaschl, a quien simplemente llamamos Leni. Olympia es uno de los documentales deportivos más importantes (si no el más) de la historia del cine. Ahí, Leni sienta las bases de cómo cubrimos los Juegos Olímpicos y deportes en general. Platicamos con Guen sobre los distintos modos del cine documental, sus funciones y cómo Leni lo llevó todo al Olimpo. 

Seguimos hablando de erotismo y en este episodio, se arma un debate histórico donde Java y Nemer se dividen en la lógica de los personajes y Xanáth persiste en la duda hasta que Nemer, en su irritante insistencia, cambia de parecer. ¿Qué habrá sido? El erotismo representa algo esencial para la vida humana, el arte y todo aquello que hemos nombrado. Platicamos de como la representación de lo sexual en el cine se ha transformado a lo largo de su historia con la primera invitada a nuestro programa que nos contacta para hablar de su tema favorito.

La humanidad dijo: me voy a hacer pendeja sobre este tema. Y nosotras decimos: ¡nel! muéstrame cuerpos, cuerpas, lenguas, pasión, sexo, placer, liberación. Sin tenerle miedo a nuestra ignorancia y tabús, con Xanáth platicamos alrededor de la película "The Handmaiden" del coreano Park Chan-Wok sobre el erotismo en muchos niveles desde lo corporal, lo psicológico y lo sanguíneo hasta lo sonoro, lo visual y lo literario.

Segunda película de nuestro ciclo Corman/Nicholson. "El Terror" de 1963 es notable principalmente por ser una película que se proyecta en otra película (la de "Targets" de Pedro Bogdanovich). Java y Nemer la rescatan porque Roger Corman tuvo un fin de semana libre antes de la última semana de rodaje de "El Cuervo" y pensaba ir a jugar tenis para descansar y... llovió. Sin desperdiciar el set que había construido para "El Cuervo", en vez de jugar tenis, reunió a sus amigos y filmó esta mierda. Garabateó una historia casi incomprensible sobre un oficial del ejército de Napoleón que se enamora de una morra que aparece y desaparece sin razón aparente hasta que resulta que ella es la esposa muerta de un barón loco que invita constantemente al soldado a su mansión. La película, a pesar de sus elementos de necrofilia, fantasía y cadáveres no tiene nada que ver con nada, y el hecho de que haya sido dirigida, no solo por Corman, sino por unas cinco personas diferentes (incluidos Francis Ford Coppola, Monte Hellman, Jack Hill y el propio Jack Nicholson) difícilmente contribuye a la coherencia. Sin embargo, el aire general de improvisación caótica que caracteriza las películas de Corman/Nicholson no deja de tener su propio encanto especial.

Seguimos con nuestro querido amigo Carlos, platicando sobre uno de los genios más influyentes del cine, y que lo hizo casi todo desde el teatro. ¿Cómo generar un vínculo emocional con una obra evitando la manipulación emocional tan común en producciones Hollywoodenses? ¿Cómo presentar lo natural de tal forma que parezca alienígena? ¿Cómo generar en el público una experiencia única y personal tratándose de "arte para las masas"? Brecht tiene todas las respuestas y están encriptadas en su obra, solo hace falta tomar un poco de distancia. “Siempre he mantenido que no hay diferencia entre el teatro y el cine” Joseph Losey, director de Galileo.

Nos metemos al centro de la tierra y del alma del teatro con nuestro amigo Carlos (dramaturgo y crítico de cine) para dialogar sobre Galileo (1975) de Joseph Losey y sobre el mítico Bertol Brecht. Hablamos de las teorías y metodologías de Brecht, como el efecto de distanciamiento, el cual se logra por la forma en que el "artista nunca actúa como si hubiera una cuarta pared además de las tres que lo rodean ... El público ya no puede tener la ilusión de ser el espectador invisible en un evento que realmente está ocurriendo". Si Brecht pretendía que el efecto de distanciamiento se refiriera al público o al actor o tanto al público como al actor sigue siendo controvertido entre los profesores y estudiosos del teatro brechtiano.   Bertolt Brecht sostenía fuertes creencias comunistas. Por esa razón escribió “La Vida de Galileo” junto a Joseph Losey, quien décadas después lo llevó al cine. Es posible que Brecht usara la vida de Galileo como una forma de expresar sus propios sentimientos a través de un personaje. Platicamos con Carlos a ver que tan cierto es este chisme.   “El arte no es un espejo que refleja la realidad, sino el martillo con el cual se rompe” - Brecht

En un modelo de sociedad donde las mujeres no están educadas para tomar sus propias decisiones, ¿cómo pueden ellas mismas entender su cuerpo? Esto es parte de la lucha en la que se encuentra Kay, nuestra invitada partera que nos explica muchas de las problemáticas y falsos mitos que presenta el tema de la partería. Cuando nacemos, por lo general, estamos rodeados de luz artificial, personas con plásticos y desinfectantes con procesos precisos y tiempos contados, con instrumentos quirúrgicos que mantienen a nuestras madres abiertas, expuestas, vulnerables, drogadas, cortadas... si esto fuera un relato de ciencia ficción, el nacimiento sería una distopía. El mundo se torna mucho más nefasto cuando vemos como nos extraen de otros cuerpos al nacer, y como el desprestigio de una práctica milenaria entre mujeres para mujeres, hace mucho más daño a nuestro mundo de lo que creíamos. Por eso tenemos a Kay aquí, para defender ese proceso natural y para que All Your Babies nazcan en un entorno sano, seguro, y familiar. ¡Arriba la resistencia umbilical! ¡Abajo la anestesia mental!